Netflix’ Anime-Katalog lässt sich leicht mit auffälliger Action verbinden, doch eine neue Zusammenstellung von CBR argumentiert, dass die lohnendsten Titel oft diejenigen sind, an denen Fans vorbeiscrollen. Laut der Liste seien die herausragenden verborgenen Schätze tendenziell leisere Produktionen – einige experimentierten mit ungewöhnlichen Animationsstilen, während andere Geschichten erzählten, die sich weigerten, in ein konventionelles Genre zu passen. Was sie eint, so heißt es in dem Beitrag, sei die Sorgfalt, die in ihre Entstehung geflossen sei: Musik, die eine leise Szene unvergesslich mache, und Charakterdesigns, die jeder Welt eine eigene Identität verliehen.
An der Spitze der Auswahl steht Pluto, Naoki Urasawas Umarbeitung einer vertrauten Science-Fiction-Prämisse in etwas emotional Schweres. Die Serie behandelt Roboter nicht einfach als Werkzeuge oder Antagonisten, sondern als Gefäße für Traurigkeit, Vorurteile und die beunruhigende Vorstellung erlernten Hasses, wobei ihre Verbindung zu Osamu Tezukas Astro Boy eine historische Dimension hinzufügt. Ihre acht Episoden dauern jeweils ungefähr eine Stunde, was Gesprächen und Pausen Gewicht verleiht, während Yugo Kannos Musik die Beklemmung der ruhigen Abschnitte verstärkt. Das Design des Roboter-Detektivs Gesicht wird für die Subtilität seiner Mimik und Bewegungen besonders hervorgehoben.
Dorohedoro wird für eine visuelle Identität gelobt, der kaum ein anderer Anime etwas entgegenzusetzen hat. MAPPA habe laut Bericht der Versuchung widerstanden, Q Hayashidas Welt aufzuräumen, sodass Schmutz, verfallende Gebäude und seltsame Masken zu einem eigenen Stil beitrügen; The Hole wirke bewohnt, weil fast jeder Hintergrund aussehe, als sei dort Minuten zuvor etwas Unangenehmes geschehen. Regisseur Yuichiro Hayashi mische 2D- und 3D-Animation, und die organische Wirkung der Figuren passe zu den brutalen Kämpfen – während ihre beiläufige Haltung gegenüber dem Grotesken, etwa ein Streit über Essen direkt nach einer Prügelei, der Serie eine Persönlichkeit verleihe, die laut der Liste poliertere Fantasy-Serien oft vermissen ließen.
Kotaro Lives Alone nimmt eine Prämisse, die nach alberner Komödie klingt – ein Vierjähriger, der allein lebt –, und legt nach und nach die unbequemen Wahrheiten darunter offen. Das Drehbuch schöpfe seine Stärke aus der Kluft zwischen Kotaros höflicher Art und den Einflüssen, die seine Kindheit prägen: Was zunächst als komische Reife wirke, werde herzzerreißend, sobald die Gründe klar seien. Die Serie vermeide es, jeden emotionalen Moment dramatisch zu machen, lasse kleine Gesten und gewöhnliche Gespräche zeigen, was ein gemeinsames Essen bedeuten könne, und Shin Karinos langsames, unvollkommenes Wachstum als Vormund werde als Höhepunkt hervorgehoben.
Blue Period behandelt künstlerisches Schaffen ernst, rahmt Malerei als Frage von Technik, Beobachtung und Komposition statt rohem Talent und folgt Yatoras Suche nach einer künstlerischen Identität. Seven Arcs sah sich der schwierigen Aufgabe gegenüber, Pinselstriche und künstlerischen Ausdruck zu animieren, und die Liste rechnet es dem Studio als Erfolg an, was es teils dadurch erreiche, dass es die Entscheidungen hinter bestimmten Gemälden erkläre. Die Rivalitäten würden durch unbequeme Vergleiche zwischen Schülern mit jahrelanger Übung und jenen, die ihre Stärken noch entdecken, verschärft, und die Serie lehne es bemerkenswerterweise ab, zu versprechen, dass harte Arbeit allein zum Sieg führe.
Great Pretender macht Täuschung theatralisch. Helle Hintergründe, durchgestaltete Figuren und sorgfältig geplante visuelle Tricks verwandelten jeden Betrug in etwas wie ein Bühnenstück, und die internationalen Schauplätze gäben jedem Fall seinen eigenen Geschmack. Regisseur Hiro Kaburagi und Drehbuchautor Ryota Kosawa wird zugeschrieben, die aufwendigen Pläne fließend zu halten, Yoshiyuki Sadamotos Charakterdesigns verliehen jeder Figur eine erkennbare Persönlichkeit, und Yutaka Yamadas temporeiche Musik passe dazu. Die Serie spiele mit Erwartungen, sodass jeder neue Fall die Zuschauer einlade, herauszufinden, wer wen manipuliere, und ihre Verwendung von Freddie Mercurys „The Great Pretender“ als Ending Theme wird als perfekte Passung für ihre trügerischen Erscheinungen beschrieben.
Dragon Pilot: Hisone and Masotan kombiniert Drachen, die sich in Militärflugzeuge verwandeln, mit der Alltagsstruktur des Dienstlebens. Die Gifu Air Base wirke realistisch und die Verwandlungen überraschend detailliert; Shinji Higuchi half bei der Entwicklung des ursprünglichen Konzepts, Hiroshi Kobayashi führte Regie und Mari Okada verfasste die Serie, während BONES den mechanischen Designer Shoji Kawamori hinzuzog, dessen Erfahrung mit verwandelbaren Maschinen die Flugzeugdesigns prägte. Hisones soziale Ungeschicklichkeit liefere den emotionalen Kern, und ihre Schwierigkeit zu kommunizieren sei kein Tick, der einfach verschwinde – ihre allmähliche Entwicklung mache die Bindung zwischen Piloten und Drachen glaubwürdig.
The Grimm Variations greift vertraute Märchen aus Charlottes Perspektive auf und sucht in sechs Episoden, die eher neu interpretieren als nacherzählen, nach dunkleren Begierden unter den glücklichen Enden, wobei Horror, Spannung und psychologische Elemente hinzukommen. WIT Studio holte CLAMP für die ursprünglichen Charakterkonzepte, Michiko Yokote für das Drehbuch und Akira Miyagawa für die Musik. Die Vielfalt der Anthologie sei zugleich ihr Risiko: Einige Episoden nutzten ihr Ausgangsmaterial besser als andere, und der Ton könne uneinheitlich wirken – doch die Liste ordne sie dennoch unter Netflix’ am meisten unterschätzten Leistungen ein.
BNA: Brand New Animal ist reiner Studio Trigger: leuchtende Farben, übertriebene Verwandlungen und explosive Action, wobei Beastman City tierische Merkmale als visuelle Sprache fungieren lässt. Regisseur Yoh Yoshinari und Drehbuchautor Kazuki Nakashima werden als effektive Partnerschaft beschrieben, wobei Yoshinari Energie liefere und Nakashima politischen Konflikt und Fragen der Diskriminierung hinzufüge. Das Interesse der Serie liege darin, wie Verwandlung Identität erkunde: Das Ändern des eigenen Aussehens beseitige keine Vorurteile, und die verschiedenen Beastman-Gemeinschaften verträten widersprüchliche Ansichten über Zugehörigkeit.
Ajin: Demi-Human verwandelt Unsterblichkeit in einen Albtraum statt in eine Superkraft. Kei Nagais Unfähigkeit, tot zu bleiben, mache ihn für Regierungen wertvoll und für gewöhnliche Menschen furchteinflößend, und die schwarzen Manifestationen namens IBM fügten dem Kampf ein unvorhersehbares übernatürliches Element hinzu. Polygon Pictures setzte vollständiges CGI statt handgezeichneter Animation ein, eine Entscheidung, die die Meinungen spaltete: Die 3D-Modelle verliehen der Action ein unverwechselbares Gewicht, auch wenn Mimik und Bewegung weniger natürlich wirkten als 2D-Arbeit. Der Stil diene dennoch den Kämpfen, da Regeneration den Kämpfern absurde Risiken erlaube und die IBMs strategische Möglichkeiten eröffneten – und der Antagonist Satou werde als besonders fesselnd hervorgehoben, da seine Unsterblichkeit ihn schwer einzudämmen mache und seine Intelligenz ihn gefährlicher mache als einen typischen unaufhaltsamen Bösewicht.
Den Abschluss der Liste bildet Rilakkuma and Kaoru, das anders als jeder andere Anime wirke. Seine Stop-Motion-Figuren trügen Texturen und Makel, die der Wohnung eine Wärme verliehen, die Computeranimation nur schwer nachzubilden vermöge, und selbst Kochen und Waschen seien mit genug Sorgfalt inszeniert, um visuell befriedigend zu sein. Dwarf Studios produzierte die Serie, Masahito Kobayashi führte Regie, Naoko Ogigami schrieb, Shigeru Kishida betreute die Musik und Quruli steuerten das Hauptthema Sampo bei. Diese handgemachte Qualität setze einen geduldigen Ton, und Kaorus gewöhnliche Frustrationen – Enttäuschungen bei der Arbeit, Einsamkeit, der Druck des Erwachsenenlebens – erhielten dieselbe Aufmerksamkeit wie ihre bezaubernden Mitbewohner, sodass der Kontrast zwischen Rilakkumas Faulheit und ihren Sorgen den Humor nicht gezwungen wirken lasse.
Quellen: Comic Book Resources.