Il catalogo anime di Netflix è facile da associare ad azione appariscente, ma una nuova rassegna di CBR sostiene che i titoli più gratificanti sono spesso quelli che i fan scorrono oltre. Secondo la lista, le gemme nascoste più notevoli tendono a essere produzioni più silenziose: alcune sperimentano stili di animazione inusuali, mentre altre raccontano storie che rifiutano di rientrare in un genere convenzionale. Ciò che le unisce, suggerisce il pezzo, è la cura investita nella loro realizzazione: musica che trasforma una scena tranquilla in una memorabile e design dei personaggi che danno a ogni mondo un'identità propria.
Apre la selezione Pluto, la rielaborazione di Naoki Urasawa di una premessa di fantascienza familiare in qualcosa di emotivamente pesante. La serie tratta i robot non semplicemente come strumenti o antagonisti, ma come contenitori di tristezza, pregiudizio e dell'idea inquietante di un odio appreso, con il legame con Astro Boy di Osamu Tezuka che aggiunge una dimensione storica. I suoi otto episodi durano circa un'ora ciascuno, consentendo a conversazioni e pause di avere peso, mentre la colonna sonora di Yugo Kanno rafforza il disagio delle fasi più calme. Il design del detective robot Gesicht è segnalato per la sottigliezza delle sue espressioni e dei suoi movimenti.
Dorohedoro è lodato per un'identità visiva che pochi anime possono eguagliare. Secondo quanto riportato, MAPPA ha resistito all'impulso di ripulire il mondo di Q Hayashida, così lo sporco, gli edifici in decadenza e le strane maschere contribuiscono tutti a uno stile proprio, con The Hole che sembra vissuta perché quasi ogni sfondo appare come se vi fosse accaduto qualcosa di spiacevole pochi minuti prima. Il regista Yuichiro Hayashi fonde animazione 2D e 3D, e la sensazione organica dei personaggi si adatta ai combattimenti brutali, mentre il loro atteggiamento disinvolto verso il grottesco, che li porta a discutere di cibo subito dopo una rissa, dà alla serie una personalità che, secondo la lista, serie fantasy più levigate spesso non hanno.
Kotaro Lives Alone parte da una premessa che suona come una commedia sciocca — un bambino di quattro anni che vive da solo — ed espone gradualmente le verità scomode che vi stanno sotto. La scrittura trae forza dal divario tra le maniere educate di Kotaro e le influenze che plasmano la sua infanzia: ciò che all'inizio appare come una maturità comica diventa straziante una volta chiare le ragioni. La serie evita di rendere drammatico ogni passaggio emotivo, lasciando che piccoli gesti e conversazioni ordinarie mostrino cosa può significare condividere un pasto, e la crescita lenta e imperfetta di Shin Karino come tutore è indicata come un punto forte.
Blue Period prende sul serio il fare arte, inquadrando la pittura come questione di tecnica, osservazione e composizione più che di talento grezzo, e seguendo la ricerca di Yatora di un'identità artistica. Seven Arcs ha affrontato il difficile compito di animare pennellate ed espressione artistica, e la lista riconosce allo studio il merito di esserci riuscito, in parte spiegando le decisioni dietro particolari dipinti. Le rivalità sono acuite da confronti scomodi tra studenti con anni di pratica e quelli che stanno ancora scoprendo i propri punti di forza, e la serie in modo significativo evita di promettere che il duro lavoro da solo vincerà.
Great Pretender rende l'inganno teatrale. Sfondi luminosi, personaggi ben caratterizzati e trucchi visivi pianificati con cura trasformano ogni truffa in qualcosa di simile a una pièce teatrale, e le ambientazioni internazionali danno a ogni caso un sapore proprio. Al regista Hiro Kaburagi e allo sceneggiatore Ryota Kosawa viene riconosciuto il merito di mantenere fluide le elaborate macchinazioni, i design dei personaggi di Yoshiyuki Sadamoto danno a ogni figura una personalità riconoscibile, e la colonna sonora dal ritmo serrato di Yutaka Yamada li accompagna. La serie gioca con le aspettative così ogni nuovo caso invita gli spettatori a capire chi sta manipolando chi, e l'uso di “The Great Pretender” di Freddie Mercury come sigla di chiusura è descritto come perfetto per le sue apparenze inaffidabili.
Dragon Pilot: Hisone and Masotan abbina draghi che si trasformano in aerei militari alla texture quotidiana della vita di servizio. Si dice che la base aerea di Gifu sembri realistica e che le trasformazioni siano sorprendentemente dettagliate; Shinji Higuchi ha contribuito a sviluppare il concept originale, Hiroshi Kobayashi ha diretto e Mari Okada ha curato la composizione della serie, mentre BONES ha coinvolto il meccanico designer Shoji Kawamori, la cui esperienza con macchine mutaforma ha plasmato i design degli aerei. L'imbarazzo sociale di Hisone costituisce il nucleo emotivo, e la sua difficoltà a comunicare non è una bizzarria che semplicemente scompare: il suo sviluppo graduale è ciò che rende credibile il legame tra piloti e draghi.
The Grimm Variations rivisita fiabe familiari dalla prospettiva di Charlotte, cercando desideri più oscuri sotto i lieti fine in sei episodi che reinterpretano invece di raccontare di nuovo, aggiungendo horror, tensione ed elementi psicologici. WIT Studio ha riunito CLAMP per i concept originali dei personaggi, Michiko Yokote alla sceneggiatura e Akira Miyagawa alla musica. La varietà dell'antologia è anche il suo rischio: alcuni episodi usano il materiale di partenza meglio di altri, e il tono può risultare incoerente, ma la lista la colloca comunque tra le realizzazioni più sottovalutate di Netflix.
BNA: Brand New Animal è puro Studio Trigger, tutto colori vivaci, trasformazioni esagerate e azione esplosiva, con Beastman City che consente ai tratti animali di funzionare come linguaggio visivo. Il regista Yoh Yoshinari e lo sceneggiatore Kazuki Nakashima sono descritti come un sodalizio efficace, con Yoshinari che fornisce energia e Nakashima che aggiunge conflitto politico e questioni di discriminazione. L'interesse della serie risiede in come la trasformazione esplora l'identità: cambiare il proprio aspetto non cancella il pregiudizio, e le diverse comunità di Beastman hanno opinioni contrastanti sull'appartenenza.
Ajin: Demi-Human trasforma l'immortalità in un incubo invece che in un superpotere. L'incapacità di Kei Nagai di restare morto lo rende prezioso per i governi e terrificante per la gente comune, e le manifestazioni nere note come IBM aggiungono un elemento soprannaturale imprevedibile al combattimento. Polygon Pictures ha usato CGI completa invece dell'animazione disegnata a mano, una scelta che ha diviso le opinioni: i modelli 3D danno all'azione un peso distintivo, sebbene espressioni e movimento risultino meno naturali rispetto al lavoro in 2D. Lo stile serve comunque ai combattimenti, poiché la rigenerazione consente ai combattenti di correre rischi assurdi e gli IBM aprono opzioni strategiche, e l'antagonista Satou è indicato come particolarmente avvincente, con la sua immortalità che lo rende difficile da contenere e la sua intelligenza che lo rende più pericoloso di un tipico villain inarrestabile.
A chiudere la lista c'è Rilakkuma and Kaoru, che sembra diverso da qualsiasi altro anime. I suoi personaggi in stop-motion portano texture e difetti che danno all'appartamento un calore che l'animazione al computer fatica a riprodurre, e persino cucinare e lavare sono messi in scena con abbastanza cura da risultare visivamente soddisfacenti. Dwarf Studios ha prodotto la serie, con Masahito Kobayashi alla regia, Naoko Ogigami alla sceneggiatura, Shigeru Kishida alla supervisione musicale e i Quruli autori della sigla principale, Sampo. Quella qualità fatta a mano stabilisce un tono paziente, e le frustrazioni ordinarie di Kaoru — delusioni sul lavoro, solitudine, pressione dell'età adulta — ricevono la stessa attenzione dei suoi adorabili coinquilini, così il contrasto tra la pigrizia di Rilakkuma e le sue preoccupazioni impedisce all'umorismo di sembrare forzato.
Fonti: Comic Book Resources.