Le catalogue d'animes de Netflix est facile à associer à une action tapageuse, mais une nouvelle sélection de CBR soutient que les titres les plus gratifiants sont souvent ceux que les fans font défiler sans s'arrêter. Selon la liste, les pépites cachées les plus remarquables tendent à être des productions plus discrètes — certaines expérimentent des styles d'animation inhabituels, tandis que d'autres racontent des histoires qui refusent de s'inscrire dans un genre conventionnel. Ce qui les unit, suggère l'article, c'est le soin investi dans leur fabrication : une musique qui transforme une scène calme en scène mémorable, et des designs de personnages qui donnent à chaque monde une identité propre.
En tête de la sélection figure Pluto, la refonte par Naoki Urasawa d'une prémisse de science-fiction familière en quelque chose d'émotionnellement lourd. La série traite les robots non pas simplement comme des outils ou des antagonistes, mais comme des réceptacles de tristesse, de préjugés et de l'idée troublante d'une haine apprise, son lien avec Astro Boy d'Osamu Tezuka ajoutant une dimension historique. Ses huit épisodes durent environ une heure chacun, ce qui permet aux conversations et aux pauses de porter du poids, tandis que la partition de Yugo Kanno renforce le malaise des passages calmes. Le design du détective robot Gesicht est particulièrement salué pour la subtilité de ses expressions et de ses mouvements.
Dorohedoro est salué pour une identité visuelle que peu d'animes peuvent égaler. MAPPA aurait résisté à l'envie de nettoyer le monde de Q Hayashida, si bien que la crasse, les bâtiments en décomposition et les masques étranges contribuent tous à un style qui lui est propre, The Hole semblant habité parce que presque chaque arrière-plan donne l'impression que quelque chose de désagréable s'y est produit quelques minutes plus tôt. Le réalisateur Yuichiro Hayashi mélange animation 2D et 3D, et le rendu organique des personnages convient aux combats brutaux — tandis que leur attitude désinvolte face au grotesque, se disputant à propos de nourriture juste après une bagarre, donne à la série une personnalité que la liste dit souvent absente des séries fantastiques plus léchées.
Kotaro Lives Alone prend une prémisse qui ressemble à une comédie absurde — un enfant de quatre ans vivant seul — et expose progressivement les vérités inconfortables qui se cachent dessous. L'écriture tire sa force de l'écart entre les manières polies de Kotaro et les influences qui façonnent son enfance : ce qui se lit d'abord comme une maturité comique devient déchirant une fois les raisons claires. La série évite de rendre chaque moment émotionnel dramatique, laissant de petits gestes et une conversation ordinaire montrer ce que partager un repas peut signifier, et la croissance lente et imparfaite de Shin Karino comme tuteur est présentée comme un point fort.
Blue Period prend au sérieux la création artistique, présentant la peinture comme une question de technique, d'observation et de composition plutôt que de talent brut, et suivant la recherche par Yatora d'une identité artistique. Seven Arcs a fait face à la tâche difficile d'animer des coups de pinceau et l'expression artistique, et la liste crédite le studio d'y être parvenu, en partie en expliquant les décisions derrière des tableaux particuliers. Les rivalités sont aiguisées par des comparaisons inconfortables entre des élèves ayant des années de pratique et ceux qui découvrent encore leurs forces, et la série refuse notablement de promettre que le travail acharné suffira à gagner.
Great Pretender rend la tromperie théâtrale. Des arrière-plans éclatants, des personnages stylisés et des astuces visuelles soigneusement planifiées transforment chaque arnaque en quelque chose comme une pièce de théâtre, et les décors internationaux donnent à chaque affaire sa propre saveur. Le réalisateur Hiro Kaburagi et le scénariste Ryota Kosawa sont crédités d'avoir maintenu le flux des stratagèmes élaborés, les designs de personnages de Yoshiyuki Sadamoto donnent à chaque figure une personnalité reconnaissable, et la partition au rythme rapide de Yutaka Yamada les accompagne. La série joue avec les attentes afin que chaque nouvelle affaire invite les spectateurs à déterminer qui manipule qui, et son utilisation de « The Great Pretender » de Freddie Mercury comme thème de fin est décrite comme parfaitement adaptée à ses apparences peu fiables.
Dragon Pilot: Hisone and Masotan associe des dragons qui se transforment en aéronefs militaires à la texture quotidienne de la vie de service. La base aérienne de Gifu est dite réaliste et les transformations étonnamment détaillées ; Shinji Higuchi a contribué à développer le concept original, Hiroshi Kobayashi a réalisé et Mari Okada a composé la série, tandis que BONES a fait appel au designer mécanique Shoji Kawamori, dont l'expérience des machines à transformation a façonné les designs des avions. La maladresse sociale de Hisone fournit le cœur émotionnel, et sa difficulté à communiquer n'est pas une bizarrerie qui disparaît simplement — son développement progressif est ce qui rend crédible le lien entre les pilotes et les dragons.
The Grimm Variations revisite des contes de fées familiers du point de vue de Charlotte, cherchant des désirs plus sombres sous les fins heureuses à travers six épisodes qui réinterprètent plutôt qu'ils ne racontent à nouveau, ajoutant des éléments d'horreur, de tension et de psychologie. WIT Studio a réuni CLAMP pour les concepts originaux des personnages, Michiko Yokote au scénario et Akira Miyagawa à la musique. La variété de l'anthologie est aussi son risque : certains épisodes utilisent mieux leur matériau source que d'autres, et le ton peut sembler incohérent — mais la liste la place tout de même parmi les réalisations les plus sous-estimées de Netflix.
BNA: Brand New Animal est du pur Studio Trigger, tout en couleurs vibrantes, transformations exagérées et action explosive, Beastman City permettant aux traits animaux de fonctionner comme langage visuel. Le réalisateur Yoh Yoshinari et le scénariste Kazuki Nakashima sont décrits comme un partenariat efficace, Yoshinari apportant l'énergie et Nakashima ajoutant le conflit politique et les questions de discrimination. L'intérêt de la série réside dans la manière dont la transformation explore l'identité : changer d'apparence n'efface pas les préjugés, et les différentes communautés de Beastmen entretiennent des vues conflictuelles sur l'appartenance.
Ajin: Demi-Human transforme l'immortalité en cauchemar plutôt qu'en superpouvoir. L'incapacité de Kei Nagai à rester mort le rend précieux pour les gouvernements et terrifiant pour les gens ordinaires, et les manifestations noires connues sous le nom d'IBM ajoutent un élément surnaturel imprévisible au combat. Polygon Pictures a utilisé du CGI intégral plutôt que de l'animation dessinée à la main, un choix qui a divisé les opinions : les modèles 3D donnent à l'action un poids distinctif, bien que les expressions et les mouvements semblent moins naturels que dans un travail en 2D. Le style sert néanmoins les combats, puisque la régénération permet aux combattants de prendre des risques absurdes et que les IBM ouvrent des options stratégiques — et l'antagoniste Satou est particulièrement salué, son immortalité le rendant difficile à contenir et son intelligence le rendant plus dangereux qu'un méchant inarrêtable typique.
Pour clore la liste, Rilakkuma and Kaoru ne ressemble à aucun autre anime. Ses personnages en stop-motion portent des textures et des imperfections qui donnent à l'appartement une chaleur que l'animation par ordinateur peine à reproduire, et même la cuisine et la vaisselle sont mises en scène avec assez de soin pour être visuellement satisfaisantes. Dwarf Studios a produit la série, avec Masahito Kobayashi à la réalisation, Naoko Ogigami au scénario, Shigeru Kishida à la supervision musicale et Quruli fournissant le thème principal, Sampo. Cette qualité artisanale instaure un ton patient, et les frustrations ordinaires de Kaoru — déceptions au travail, solitude, pression de l'âge adulte — reçoivent la même attention que ses adorables colocataires, de sorte que le contraste entre la paresse de Rilakkuma et ses inquiétudes empêche l'humour de sembler forcé.
Sources: Comic Book Resources.