O catálogo de anime da Netflix é fácil de associar a ação chamativa, mas uma nova seleção da CBR argumenta que os títulos mais recompensadores costumam ser aqueles que os fãs deixam passar ao rolar a tela. Segundo a lista, as joias escondidas de destaque tendem a ser produções mais silenciosas — algumas experimentam estilos de animação incomuns, enquanto outras contam histórias que se recusam a caber em um gênero convencional. O que as une, sugere o texto, é o cuidado investido em sua criação: música que transforma uma cena tranquila em memorável, e designs de personagens que dão a cada mundo uma identidade própria.
No topo da seleção está Pluto, a reformulação de Naoki Urasawa de uma premissa familiar de ficção científica em algo emocionalmente pesado. A série trata robôs não simplesmente como ferramentas ou antagonistas, mas como recipientes de tristeza, preconceito e da ideia perturbadora de ódio aprendido, com sua ligação com Astro Boy, de Osamu Tezuka, acrescentando uma dimensão histórica. Seus oito episódios duram cerca de uma hora cada, permitindo que conversas e pausas carreguem peso, enquanto a trilha de Yugo Kanno reforça o desconforto dos trechos calmos. O design do detetive robô Gesicht é destacado pela sutileza de suas expressões e movimentos.
Dorohedoro é elogiado por uma identidade visual que poucos animes conseguem igualar. A MAPPA, segundo o texto, resistiu à tentação de arrumar o mundo de Q Hayashida, então a sujeira, os prédios decadentes e as máscaras estranhas contribuem para um estilo próprio, com The Hole parecendo habitado porque quase todo fundo dá a impressão de que algo desagradável aconteceu ali minutos antes. O diretor Yuichiro Hayashi mistura animação 2D e 3D, e a sensação orgânica dos personagens combina com as lutas brutais — enquanto a atitude casual deles diante do grotesco, discutindo comida logo após uma briga, dá ao show uma personalidade que a lista diz que séries de fantasia mais polidas muitas vezes não têm.
Kotaro Lives Alone parte de uma premissa que soa como comédia boba — uma criança de quatro anos morando sozinha — e aos poucos expõe as verdades desconfortáveis por baixo dela. A escrita tira sua força da lacuna entre a maneira educada de Kotaro e as influências que moldam sua infância: o que primeiro parece maturidade cômica se torna de partir o coração quando os motivos ficam claros. A série evita tornar cada momento emocional dramático, deixando pequenos gestos e conversas comuns mostrarem o que dividir uma refeição pode significar, e o crescimento lento e imperfeito de Shin Karino como guardião é apontado como um destaque.
Blue Period leva a criação artística a sério, enquadrando a pintura como uma questão de técnica, observação e composição, e não de talento bruto, e acompanhando a busca de Yatora por uma identidade artística. A Seven Arcs enfrentou a tarefa difícil de animar pinceladas e expressão artística, e a lista credita ao estúdio o sucesso, em parte por explicar as decisões por trás de pinturas específicas. As rivalidades são aguçadas por comparações desconfortáveis entre estudantes com anos de prática e aqueles que ainda estão descobrindo seus pontos fortes, e a série notavelmente se recusa a prometer que o trabalho duro sozinho vencerá.
Great Pretender torna o engano teatral. Fundos brilhantes, personagens desenhados e truques visuais cuidadosamente planejados transformam cada golpe em algo como uma peça de teatro, e os cenários internacionais dão a cada caso seu próprio sabor. O diretor Hiro Kaburagi e o roteirista Ryota Kosawa são creditados por manter os esquemas elaborados fluindo, os designs de personagens de Yoshiyuki Sadamoto dão a cada figura uma personalidade reconhecível, e a trilha acelerada de Yutaka Yamada combina com eles. O show brinca com as expectativas para que cada novo caso convide os espectadores a descobrir quem está manipulando quem, e seu uso de "The Great Pretender", de Freddie Mercury, como tema de encerramento é descrito como um encaixe perfeito para suas aparências não confiáveis.
Dragon Pilot: Hisone and Masotan combina dragões que se transformam em aeronaves militares com a textura cotidiana da vida de serviço. Diz-se que a Base Aérea de Gifu parece realista e que as transformações são surpreendentemente detalhadas; Shinji Higuchi ajudou a desenvolver o conceito original, Hiroshi Kobayashi dirigiu e Mari Okada compôs a série, enquanto a BONES trouxe o designer mecânico Shoji Kawamori, cuja experiência com máquinas transformáveis moldou os designs dos aviões. A inadequação social de Hisone fornece o núcleo emocional, e sua dificuldade de comunicação não é uma excentricidade que simplesmente desaparece — seu desenvolvimento gradual é o que torna crível o vínculo entre pilotos e dragões.
The Grimm Variations revisita contos de fadas familiares pela perspectiva de Charlotte, procurando desejos mais sombrios por baixo dos finais felizes ao longo de seis episódios que reinterpretam em vez de recontar, acrescentando horror, tensão e elementos psicológicos. O WIT Studio reuniu CLAMP para conceitos originais de personagens, Michiko Yokote no roteiro e Akira Miyagawa na música. A variedade da antologia também é seu risco: alguns episódios usam melhor seu material de origem do que outros, e o tom pode parecer inconsistente — mas a lista ainda a coloca entre as conquistas mais subestimadas da Netflix.
BNA: Brand New Animal é puro Studio Trigger, com cores vibrantes, transformações exageradas e ação explosiva, e Beastman City permite que traços animais funcionem como linguagem visual. O diretor Yoh Yoshinari e o roteirista Kazuki Nakashima são descritos como uma parceria eficaz, com Yoshinari fornecendo energia e Nakashima acrescentando conflito político e questões de discriminação. O interesse da série está em como a transformação explora a identidade: mudar a aparência não apaga o preconceito, e as diferentes comunidades Beastman têm visões conflitantes sobre pertencimento.
Ajin: Demi-Human transforma a imortalidade em pesadelo, e não em superpoder. A incapacidade de Kei Nagai de permanecer morto o torna valioso para governos e aterrorizante para pessoas comuns, e as manifestações negras conhecidas como IBM acrescentam um elemento sobrenatural imprevisível ao combate. A Polygon Pictures usou CGI completo em vez de animação feita à mão, uma escolha que dividiu opiniões: os modelos 3D dão um peso distintivo à ação, embora expressões e movimentos pareçam menos naturais do que no trabalho em 2D. O estilo, ainda assim, serve às lutas, já que a regeneração permite que combatentes assumam riscos absurdos e os IBMs abrem opções estratégicas — e o antagonista Satou é destacado como especialmente envolvente, com sua imortalidade tornando-o difícil de conter e sua inteligência tornando-o mais perigoso que um vilão imparável típico.
Fechando a lista, Rilakkuma and Kaoru parece diferente de qualquer outro anime. Seus personagens em stop-motion carregam texturas e falhas que dão ao apartamento um calor que a animação computadorizada tem dificuldade de reproduzir, e até cozinhar e lavar são encenados com cuidado suficiente para serem visualmente satisfatórios. O Dwarf Studios produziu a série, com Masahito Kobayashi dirigindo, Naoko Ogigami escrevendo, Shigeru Kishida supervisionando a música e Quruli fornecendo o tema principal, Sampo. Essa qualidade artesanal estabelece um tom paciente, e as frustrações comuns de Kaoru — decepções no trabalho, solidão, a pressão da vida adulta — recebem a mesma atenção que seus adoráveis companheiros de casa, de modo que o contraste entre a preguiça de Rilakkuma e as preocupações dela impede que o humor pareça forçado.
Fontes: Comic Book Resources.