El catálogo de anime de Netflix es fácil de asociar con acción llamativa, pero una nueva recopilación de CBR sostiene que los títulos más gratificantes suelen ser aquellos que los fans pasan de largo al hacer scroll. Según la lista, las joyas ocultas más destacadas tienden a ser producciones más silenciosas: algunas experimentan con estilos de animación poco habituales, mientras que otras cuentan historias que se resisten a encajar en un género convencional. Lo que las une, sugiere el artículo, es el cuidado invertido en su realización: música que convierte una escena tranquila en una memorable y diseños de personajes que dan a cada mundo una identidad propia.
Encabezando la selección está Pluto, la reelaboración de Naoki Urasawa de una premisa de ciencia ficción familiar convertida en algo emocionalmente pesado. La serie trata a los robots no simplemente como herramientas o antagonistas, sino como receptáculos de tristeza, prejuicio y la inquietante idea del odio aprendido, con su conexión con Astro Boy de Osamu Tezuka añadiendo una dimensión histórica. Sus ocho episodios duran aproximadamente una hora cada uno, lo que permite que las conversaciones y las pausas carguen de peso, mientras la banda sonora de Yugo Kanno refuerza la incomodidad de los tramos de calma. El diseño del detective robot Gesicht se destaca por la sutileza de sus expresiones y movimientos.
Se elogia Dorohedoro por una identidad visual que pocos animes pueden igualar. Según se informa, MAPPA resistió la tentación de ordenar el mundo de Q Hayashida, por lo que la suciedad, los edificios en descomposición y las extrañas máscaras contribuyen a un estilo propio, y The Hole se siente habitado porque casi todos los fondos parecen como si algo desagradable hubiera ocurrido allí minutos antes. El director Yuichiro Hayashi mezcla animación 2D y 3D, y la sensación orgánica de los personajes encaja con las brutales peleas, mientras que su actitud despreocupada hacia lo grotesco, discutiendo sobre comida justo después de una reyerta, da a la serie una personalidad que, según la lista, muchas series de fantasía más pulidas a menudo no tienen.
Kotaro Lives Alone parte de una premisa que suena a comedia absurda —un niño de cuatro años que vive solo— y poco a poco expone las verdades incómodas que hay debajo. La escritura extrae su fuerza de la brecha entre los modales educados de Kotaro y las influencias que moldean su infancia: lo que al principio se lee como una madurez cómica se vuelve desgarrador una vez que las razones están claras. La serie evita convertir cada momento emocional en algo dramático, dejando que pequeños gestos y conversaciones ordinarias muestren lo que puede significar compartir una comida, y el crecimiento lento e imperfecto de Shin Karino como tutor se señala como un punto culminante.
Blue Period se toma en serio la creación artística, y enmarca la pintura como una cuestión de técnica, observación y composición más que de talento innato, siguiendo la búsqueda de Yatora de una identidad artística. Seven Arcs se enfrentó a la difícil tarea de animar pinceladas y expresión artística, y la lista acredita al estudio haberlo logrado, en parte explicando las decisiones detrás de pinturas concretas. Las rivalidades se agudizan por comparaciones incómodas entre estudiantes con años de práctica y aquellos que todavía descubren sus fortalezas, y la serie notablemente se niega a prometer que el trabajo duro por sí solo ganará.
Great Pretender hace teatral el engaño. Fondos brillantes, personajes diseñados y trucos visuales cuidadosamente planificados convierten cada estafa en algo parecido a una obra de teatro, y los escenarios internacionales dan a cada caso su propio sabor. Se atribuye al director Hiro Kaburagi y al guionista Ryota Kosawa mantener fluidez en los elaborados planes, los diseños de personajes de Yoshiyuki Sadamoto dan a cada figura una personalidad reconocible, y la banda sonora de ritmo rápido de Yutaka Yamada los acompaña. La serie juega con las expectativas de modo que cada nuevo caso invita a los espectadores a descubrir quién manipula a quién, y su uso de «The Great Pretender» de Freddie Mercury como tema de cierre se describe como un encaje perfecto para sus apariencias poco fiables.
Dragon Pilot: Hisone and Masotan empareja dragones que se transforman en aeronaves militares con la textura cotidiana de la vida de servicio. Se dice que la Base Aérea de Gifu se siente realista y que las transformaciones son sorprendentemente detalladas; Shinji Higuchi ayudó a desarrollar el concepto original, Hiroshi Kobayashi dirigió y Mari Okada compuso la serie, mientras que BONES incorporó al diseñador mecánico Shoji Kawamori, cuya experiencia con máquinas cambiantes moldeó los diseños de los aviones. La torpeza social de Hisone aporta el núcleo emocional, y su dificultad para comunicarse no es una peculiaridad que simplemente desaparece: su desarrollo gradual es lo que hace creíble el vínculo entre pilotos y dragones.
The Grimm Variations revisita cuentos de hadas conocidos desde la perspectiva de Charlotte, buscando deseos más oscuros debajo de los finales felices a lo largo de seis episodios que reinterpretan en lugar de recontar, añadiendo horror, tensión y elementos psicológicos. WIT Studio reunió a CLAMP para los conceptos originales de personajes, a Michiko Yokote en el guion y a Akira Miyagawa en la música. La variedad de la antología es también su riesgo: algunos episodios usan mejor que otros su material de origen, y el tono puede sentirse inconsistente, pero la lista aun así la sitúa entre los logros más infravalorados de Netflix.
BNA: Brand New Animal es puro Studio Trigger: color vibrante, transformaciones exageradas y acción explosiva, con Beastman City permitiendo que los rasgos animales funcionen como lenguaje visual. Se describe al director Yoh Yoshinari y al guionista Kazuki Nakashima como una colaboración eficaz, con Yoshinari aportando energía y Nakashima añadiendo conflicto político y cuestiones de discriminación. El interés de la serie reside en cómo la transformación explora la identidad: cambiar la apariencia no borra el prejuicio, y las distintas comunidades de hombres bestia mantienen opiniones encontradas sobre la pertenencia.
Ajin: Demi-Human convierte la inmortalidad en una pesadilla en lugar de un superpoder. La incapacidad de Kei Nagai de permanecer muerto lo hace valioso para los gobiernos y aterrador para la gente común, y las manifestaciones negras conocidas como IBM añaden un elemento sobrenatural impredecible al combate. Polygon Pictures usó CGI completo en lugar de animación dibujada a mano, una elección que dividió opiniones: los modelos 3D dan a la acción un peso distintivo, aunque las expresiones y el movimiento se sienten menos naturales que el trabajo en 2D. El estilo, no obstante, sirve a las peleas, ya que la regeneración permite a los combatientes asumir riesgos absurdos y los IBM abren opciones estratégicas, y el antagonista Satou se señala como especialmente convincente, pues su inmortalidad lo hace difícil de contener y su inteligencia lo hace más peligroso que un villano imparable típico.
Cerrando la lista, Rilakkuma and Kaoru luce como ningún otro anime. Sus personajes en stop-motion tienen texturas e imperfecciones que dan al apartamento una calidez que la animación por computadora difícilmente reproduce, e incluso cocinar y lavar se escenifican con suficiente cuidado para resultar visualmente satisfactorios. Dwarf Studios produjo la serie, con Masahito Kobayashi en la dirección, Naoko Ogigami en el guion, Shigeru Kishida supervisando la música y Quruli aportando el tema principal, Sampo. Esa cualidad hecha a mano marca un tono paciente, y las frustraciones ordinarias de Kaoru —decepciones en el trabajo, soledad, la presión de la adultez— reciben la misma atención que sus adorables compañeros de piso, de modo que el contraste entre la pereza de Rilakkuma y sus preocupaciones evita que el humor se sienta forzado.
Fuentes: Comic Book Resources.